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Diseño
Una técnica forestal japonesa poda las ramas superiores para crear una plataforma de árboles para cosechas más sostenibles
Imagen vía Ira de Gnon
Literalmente traducido a cedro de plataforma, daisugi es una técnica de los siglos XIV o XV que ofrece un enfoque forestal eficiente, sostenible y visualmente impresionante. El método se originó en Kioto e implica podar las ramas de cedro de Kitayama para que los brotes restantescrecen directamente hacia arriba desde una plataforma. En lugar de cosechar todo el árbol para obtener madera, los leñadores pueden talar solo las partes superiores, dejando la base y la estructura de la raíz intactas.
Aunque el daisugi se usa principalmente en jardines o bonsáis hoy en día, originalmente se desarrolló para combatir la escasez de plántulas cuando la demanda de taruki, un tipo de madera impecablemente recta y sin nudos, era alta. Porque los brotes superiores de cedro de Kitayama puedenser talado cada 20 años, lo que es mucho antes que con otros métodos, la técnica ganó popularidad.
Para ver daisugi de cerca, mire este video crónica de los procesos de poda, tala y trasplante. Vía Kottke
Cortesía de H. Tanaka / Shutterstock
Imagen vía Komori Zouen
Un pergamino que representa a daisugi por Housen Higashihara, cortesía de la casa de subastas
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artesanía
Campings y bosques pintorescos pueblan escenas en miniatura de madera tallada
Todas las imágenes © Thibaut Malet, compartidas con permiso
con sede en Montpellier, Francia Thibaut Malet anteriormente pasó gran parte de su infancia en el taller de su padre, que albergaba el negocio de ebanistería de la familia.A los 10 años, el carpintero de tercera generación comenzó a esculpir el material orgánico, aunque sus creaciones eran infinitesimales en comparación con las contrapartes de su padre.Escenas en miniatura talladas en malet que aparecen en la vida cotidiana, imaginando mundos nuevos a pequeña escala.“Era una forma de trabajar con madera sin utilizar las máquinas demasiado peligrosas de mi padre.Mis padres organizaron un pequeño taller en una habitación pequeña y fue perfecto ”, comparte con Colossal.
Aunque Malet nunca estudió el oficio de manera oficial, ahora trabaja como diseñador y artista de la madera después de unos años como arquitecto y fabricante de muebles, un trasfondo que es evidente en sus pequeñas escenas. Malet talla pintorescas cabañas y equipos para exteriores,incluidas canoas, escaleras y áreas de descanso, ubicadas entre los árboles o en la base de un barranco. Cada estructura es única, ya sea construida como un simple marco en A o como un chalet abovedado más complejo. Intencionalmente minimalistas, las escenas reflejan elcompromiso de "trabajar con la menor cantidad de material. Es una reflexión sobre el ahorro de material y espacio", dice. "Siempre me ha gustado el desafío de hacer las cosas lo más pequeñas posible".
Muchas de las esculturas de madera escénicas de Malet, que puede seguir Instagram y Mejora , están disponibles para su compra en su tienda .
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Arte
Cuerda desenrollada se extiende a través de lienzos y espacios abiertos en formas orgánicas por la artista Janaina Mello Landini
“Ciclotrama expansão” 2019, 4 Ciclotramas de la serie “expansión” con diferentes tamaños, cuerdas negras y azules, 270 x 600 x 400 centímetros. Zipper Galeria, São Paulo, Brasil. Foto de Gui Gomes. Todas las imágenes© Janaina Mello Landini, compartido con permiso
Janaina Mello Landini anteriormente deshace tramos de cuerda para crear laberintos fibrosos que rompen los bordes de las lonas y se arrastran desde el piso hasta el techo.Incluyendo tanto extensas instalaciones específicas del sitio como piezas más pequeñas limitadas a unas pocas docenas de centímetros, el cuerpo de trabajo del artista radicado en São Paulo es amplio.Sin embargo, todos sus proyectos exploran la tensión y el espacio a medida que se extienden en formas arbóreas o redes perfectamente redondas.
Sus trabajos recientes incluyen una instalación masiva en forma de árbol que se abre en abanico Galería de cremalleraEl piso y las paredes de en delicadas flores de cinta. Otra es una pieza más pequeña y numerada que nació de la respuesta del artista a la pandemia de COVID-19 en curso. “Mis días son bastante lentos ahora, no hay más asistentes, pero yotodavía estoy trabajando y pensando mucho ", comparte con Colossal y señala que al comienzo de los cierres, completó" Ciclotrama 177 Fibonacci ", que se muestra a continuación.
Desde 2010, Landini ha estado contribuyendo con ella Ciclotrama serie, apodo que define cada pieza. “La cartografía social de las redes individuales muestra la interconexión infinita de las trayectorias personales a lo largo de un sistema, la sociedad y el mundo en su conjunto. El movimiento de los cuerpos cuerdas y la relación entre el ritmoy el tiempo también son aspectos fundamentales de estas series ”, dice.
Para profundizar más en el trabajo de Landini, échale un vistazo Instagram o artístico y tomar un recorrido virtual de su programa reciente en Galería de cremallera .
“Ciclotrama 177 Fibonacci” 2020, hilos de algodón y rotulador acrílico sobre lienzo, 1,7 x 1,7 metros. Foto de Lucas Cimino
“Ciclotrama 177 Fibonacci” 2020, hilos de algodón y rotulador acrílico sobre lienzo, 1,7 x 1,7 metros. Foto de Lucas Cimino
“Ciclotrama 141 épura” 2019, 20 metros de cuerda de algodón hecha a mano de 24 centímetros de diámetro y 2880 metros de cinta de papel, 700 x 800 x 1600 centímetros. Zipper Galeria, São Paulo, Brasil. Foto de Gui Gomes
Izquierda: “Ciclotrama 153 aglomeração” 2020, cuerda sobre lienzo, 43 3/10 × 43 3/10 pulgadas. Derecha: “Ciclotrama 124” 2018, cuerda Dipado cosida sobre lino natural, 78 7 /10 × 78 7/10 × 2 pulgadas
“Ciclotrama 141 épura” 2019, 20 metros de cuerda de algodón hecha a mano de 24 centímetros de diámetro y 2880 metros de cinta de papel, 700 x 800 x 1600 centímetros. Foto de Gui Gomes
“Ciclotrama expansão” 2019, 4 Ciclotramas de la serie “expansión” con diferentes tamaños, cuerdas negras y azules, 270 x 600 x 400 centímetros. Zipper Galeria, São Paulo, Brasil. Foto de Gui Gomes
“Ciclotrama expansão” 2019, 4 Ciclotramas de la serie “expansión” con diferentes tamaños, cuerdas negras y azules, 270 x 600 x 400 centímetros. Zipper Galeria, São Paulo, Brasil. Foto de Gui Gomes
“Ciclotrama 141 épura” 2019, 20 metros de cuerda de algodón hecha a mano de 24 centímetros de diámetro y 2880 metros de cinta de papel, 700 x 800 x 1600 centímetros. Foto de Gui Gomes
“Ciclotrama 141 épura” 2019, 20 metros de cuerda de algodón hecha a mano de 24 centímetros de diámetro y 2880 metros de cinta de papel, 700 x 800 x 1600 centímetros. Foto de Gui Gomes
“Ciclotrama 174 impregnação” 2019, 50 metros de cuerda de nailon negro de 40 milímetros de diámetro y 4.200 clavos negros, 6 x 7 x 5 metros. Foto de Gui Gomes
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Arte
Grupos gruesos de pajareras de madera de London Fieldworks se extienden por los troncos de los árboles
“Ciudad espontánea en el árbol del cielo”. Todas las imágenes © London Fieldworks
adentro London Fieldworks 'creaciones delicadas, la arquitectura se encuentra con la naturaleza. Sus instalaciones presentan grupos de formas de madera minúsculas del color del pino que parecen crecer sobre los vastos troncos de árboles. Fundada por los artistas Bruce Gilchrist y Jo Joelson, London Fieldworks es una práctica artística colaborativa y multidisciplinaria con proyectos en la intersección de la arquitectura, la escultura, la instalación y el cine.
Cada una de las casas tiene ventanas y puertas redondeadas, mientras que las de los grandes árboles de hoja perenne se asemejan a objetos naturales, como nidos de avispas y avispones o incluso hongos y setas. de reflejar Clerkenwell con la renovación urbana para ofrecer nuevos hábitats para los animales, las extensas casas para pájaros fusionan ideas arquitectónicas con la naturaleza y el arte, lo que da como resultado esculturas que se integran sin esfuerzo en espacios naturales y urbanos. A través de sus instalaciones, la práctica explora su preocupación por la crisis climática a través de la lente de la historia, el medio ambiente y la cultura.
Una obra, “ Ciudad espontánea en el árbol del cielo , ”hace referencia a lados opuestos de Londres: Duncan Terrace Gardens en el este y Jardines Cremorne en el oeste. La instalación está construida con cientos de cajas de pájaros hechas a medida que reflejan las formas de la arquitectura local, una combinación de viviendas sociales modernistas de los años 60 y casas georgianas .
Explore más proyectos de London Fieldworks en su sitio . También puede disfrutar este complejo igualmente denso para vecinos aviares.
"Ciudad espontánea: Clerkenwell"
Derecha: "Ciudad espontánea en el árbol del cielo"
“Ciudad espontánea en el árbol del cielo”
“Ciudad espontánea en el árbol del cielo”
“Ciudad espontánea en el árbol del Líbano”
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Arte
Flores exuberantes y brotes de frutas maduras de Lustrous Glass Trees por la artista Debora Moore
Todas las imágenes © Debora Moore, compartidas con permiso
Combinando técnicas tradicionales de soplado de vidrio y métodos de escultura Debora Moore forma esculturas de vidrio brillante que se asemejan a ramas cubiertas de musgo, pétalos carnosos y árboles enteros. La artista nacida en St. Louis comenzó creando orquídeas con centros bulbosos antes de expandir su práctica a formas orgánicas más grandes. En su colección reciente, Arboria, Moore esculpió delicadas magnolias, ciruelas regordetas y los zarcillos de lavanda de las glicinas.
Las frágiles obras de arte crean una tensión entre el material delicado, la vida fugaz de las flores y la fuerza y durabilidad de la naturaleza. Moore compara su proceso con el de la pintura, donde el vidrio se usa de manera similar para producir profundidad. “La habilidad inherente del materialtransmitir y reflejar la luz, así como sus variaciones de transparencia a opacidad, se presta perfectamente para lograr las texturas y superficies deseadas ”, dice en una declaración .
Para profundizar más en el proceso de Moore y ver su estudio, echa un vistazo esta entrevista y su sitio .
Izquierda: "Purple Lady Slipper", vidrio soplado y esculpido, 35 x 21 x 8 pulgadas. Derecha: "Paphiopedilum Epiphyte", vidrio soplado y esculpido, 35 x 9 x 9 pulgadas
“Magnolia” de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 104 x 112 x 30 pulgadas
"Winter Plum" de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 72 x 101 x 23 pulgadas
"Winter Plum" de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 72 x 101 x 23 pulgadas
"Pantuflas de dama azul" de Gigantica, vidrio soplado y esculpido, 19 x 20 x 11 pulgadas
“Wisteria” de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 93 x 86 x 36 pulgadas
“Wisteria” de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 93 x 86 x 36 pulgadas
Izquierda: "Blue Orchid Tree", vidrio soplado y esculpido, 42 x 35 x 10 pulgadas. Derecha: "Pink Lady Slipper", vidrio soplado y esculpido, 62 x 43 x 8 pulgadas
"Epifita azul", vidrio soplado y esculpido, 22 x 9.5 x 7.5 pulgadas
“Magnolia” de Arboria 2018, vidrio soplado y esculpido, 104 x 112 x 30 pulgadas
"Blush Epidendrum", vidrio soplado y esculpido, 23 x 17 x 9 pulgadas
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Arte artesanía
Cerámica multicapa del artista Heesoo Lee Expresa los movimientos de la tierra y el mar
Todas las imágenes © Heesoo Lee, compartidas con permiso
Heesoo Lee ha pasado años colocando cuidadosamente hojas de hierba, pinos y flores de cerezo en capas para construir enredos botánicos que se arrastran por tazas y cuencos de cerámica. Inspirado por bosques estacionales y bosques de álamos , el artista de Montana recrea focos brillantes de paisajes que capturan pequeños movimientos, como frondas que caen o ramas crujientes. “Hay movimiento en los árboles, pero es lento y sutil, una hoja en el viento, el lento crecimiento de hojas nuevasen primavera ”, dice ella.
Si bien Lee ha continuado esta tradición con muchas de sus piezas recientes, ha expandido su material original al océano. Durante siete años, la artista vivió en Maui, donde a menudo inspeccionaba el agua. “Podría sentarme en la playa todo el díay observa las olas, obsérvalas, y siéntete calmado por ellas pero también respetuoso de su energía y fuerza ", dice. El recuerdo ha inspirado una pieza texturizada que se hincha hacia arriba para formar un cuenco cavernoso." Incluso en un objeto pequeño, ellas olas son poderosas y transmiten mucho. Para mí, las olas connotan libertad, la libertad de expresarme y correr riesgos ”, escribe el artista.
Divergerse de la tierra planteó nuevos desafíos en el proceso de Lee. Para los paisajes, el artista repite elementos en capas para crear una pieza completamente formada, pero la misma técnica no se tradujo en agua. “La primera vez que traté de hacer olas no. Fallé una y otra y otra vez después de eso. Hubo grietas, pedazos se rompieron ", dice." Me di cuenta de que la sensación de hacer una ola es muy diferente de hacer un paisaje ". En cambio, Lee volvió a entrenar sus manos para seguirel movimiento del agua, utilizando fundición, tallado y una serie de técnicas manuales para capturar su energía y fuerza. Su paleta de colores cambió de amalgamaciones que evocaban estaciones a un conjunto preciso de azules.
A pesar de sus incursiones en las formas acuáticas, Lee mantiene una afinidad por los campos de hierba y las ramas azotadas por el viento, lo que explica :
Mi trabajo estacional, paisajes que se enfocan en las cuatro estaciones, siguen siendo un pilar de mi práctica. Los recuerdos que alimentan las imágenes son tan poderosos para mí, y me da un gran placer compartir mi interpretación de esos recuerdos con la gente ...He escuchado de personas que beber de una taza que hice les ayudó a canalizar sus propios recuerdos del aire libre y las estaciones, incluso durante un tiempo en el que están atrapados en el interior.
Para comprar una de las obras orgánicas del artista, síguela en Instagram , donde a menudo comparte tienda actualizaciones, además de una mirada temprana a su proceso.
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