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Arte

Esculturas y bustos de crayones ardientes de Herb Williams enfrentan la crisis climática

18 de febrero de 2021

Grace Ebert

"First Fire". Todas las imágenes © Herb Williams, por Hannah Deits, compartidas con permiso

Hierba Williams aborda algunos de los problemas más urgentes de nuestro tiempo incendios incontrolables, huracanes y una inminente falta de recursos naturales, por nombrar algunos a través de un medio inusualmente lúdico. El artista de Nashville crea coloridas esculturas y bustos con innumerables crayones, reuniendo obras texturizadas que muestran simultáneamente la omnipresente herramienta de la infancia mientras se enfrentan a los efectos continuos de la crisis climática.

similar al llamas a gran escala él creó en respuesta a los incendios forestales de Texas hace casi una década, las nuevas piezas de Williams, como la fogata rodeada de piedras de río arriba, se basan en la experiencia colectiva. Él escribe :

Las catástrofes épicas, los desastres y la pandemia son prácticamente imposibles de navegar como adultos, por lo que estoy tratando de crear obras que ayuden a los niños a comprender y eventualmente lidiar, con la mayor esperanza de resolver lo que no podemos algún día. Estoy explorando elmitos a los que nos aferramos a consolar, negar o gestionar nuestro camino sin perder nuestra humanidad colectiva.

"First Fire" se empareja con Tres gracias del cambio climático , un trío de esculturas figurativas que reinterpretan la “Venus de Milo” a través de los lentes de los incendios forestales, el deshielo de los glaciares y la deforestación. En una pieza, brotes brillantes brotan del hombro y la cadera, y en otra, la figura está cortada endos para revelar anillos de edad similares a los de un árbol.

Williams actualmente está trabajando en seis esculturas que estarán en exhibición en el Aeropuerto Internacional de Atlanta. También es el curador en Nashville's Galería Rymer , donde puede encontrar una colección más amplia de sus obras.

"Venus de los incendios forestales"

"Venus del derretimiento glacial"

"Venus de la deforestación"

Arte

Masas abstractas de porcelana consumen figuras abrazados en esculturas de la artista Claudia Fontes

5 de febrero de 2021

Grace Ebert

Todas las imágenes © Claudia Fontes, compartidas con permiso

artista nacido en Argentina Claudia Fontes anteriormente continúa ella extranjeros serie con pequeñas esculturas de figuras envueltas por plumas de porcelana. Las adiciones recientes a la colección en expansión son más abstractas que iteraciones anteriores , que a menudo revelaba las curvas y los gestos del cuerpo, aunque todas las obras muestran extremidades que se abrazan o intentan escapar de las nubes texturizadas. La superficie picada se asemeja a materia orgánica, como esponjas marinas o corales, y fusiona a la perfección formas de vida en unaestructura cohesiva.

Fontes le dice a Colossal que este cambio de enfoque se inspiró en el deseo de ver “el material como el protagonista principal de la pieza, alejándose de la representación”. Ella explica que al “perforar la porcelana de diferentes maneras y explorar las posibilidades queVengo agrupando las figuras, me he dado cuenta de que estoy prestando más atención al material como una membrana ficticia, que media entre figura y fondo ”.

Actualmente, Fontes está incorporando dos colores en su porcelana que de otro modo sería blanca para crear nuevas obras que evocan la roca sedimentaria. También se está preparando para una exposición individual en Proyectos de Cecilia Brunson en Londres y una exposición colectiva en Stuk en Lovaina, Bélgica, y algunas piezas del extranjeros la serie será parte de Simbiologías en Centro Cultural Kirchner en Buenos Aires este abril. Hasta entonces, sigue al artista Instagram o diríjase a su sitio para ver más de su obra escultórica.

artesanía

La flora y la fauna en peligro de extinción se recrean en esculturas de papel texturizado por Mlle Hipolyte

4 de febrero de 2021

Grace Ebert

Todas las imágenes © Mlle Hipolyte, compartidas con permiso

Desde su estudio en Lyon, Mlle Hipolyte decenas, pliegues y flecos de papel que se convierten en interpretaciones escultóricas de especies en peligro de extinción. Ella emprende un proceso de investigación riguroso que es comparable al de un botánico o zoólogo antes de comenzar un artículo y en gran medida se preocupa por los efectos de la crisis climática enplantas y animales. Este enfoque realista basa su práctica tanto en la preservación como en la celebración, ya que transmite las complejidades y la belleza natural de los arrecifes de coral, las flores y las aves a través de obras que varían en escala, a veces abarcando paredes enteras y otras apretadas en pequeños tubos de vidrio.

Mlle Hipolyte le dice a Colossal que su próxima empresa es un gran bosque inspirado en François Hallé dibujos botánicos, un proyecto en curso que puede seguir Instagram . Para agregar una de las esculturas texturizadas meticulosas a su colección, consulte su tienda . Vía Revista Cross Connect

Arte

Encantadores paisajes nocturnos encajados en cajas de madera apiladas en los dioramas de Allison May Kiphuth

3 de febrero de 2021

Grace Ebert

Todas las imágenes © Allison May Kiphuth, compartidas con permiso

Allison May Kiphuth anteriormente reduce los extensos paisajes que se encuentran en todo el este de los Estados Unidos en pintorescos dioramas rebosantes de vida natural.A través de representaciones de acuarela y tinta en capas, el artista con sede en Maine crea una mezcla de tranquilas escenas de bosque y hábitats oceánicos a menudo bajo un cielo oscuro y nocturno.Luego apila las cajas de madera equipadas, mezclando las piezas marinas y terrestres en diferentes posiciones que crean nuevos ecosistemas con cada combinación.

Aunque Kiphuth deriva gran parte de su tema del área alrededor de su casa, comparte que experimentar nuevas escenas es esencial para su práctica. “No he estado fuera de Maine en más de un año, y aunque este paisaje suele ser tanexpansivamente hermoso para mí, sin el contraste de otros paisajes para la perspectiva, se ha sentido increíblemente pequeño ”, un sentimiento que se amplifica al vivir y trabajar desde una pequeña casa de solo 8 x 20 pies.

El artista tendrá trabajo en Galería Paradigm en Filadelfia en mayo y tiene una exposición individual programada para agosto a las Galería Antler en Portland. Las impresiones de edición limitada de la pieza anterior están disponibles en Nahcotta . Eche un vistazo al proceso de Kiphuth y las vistas del paisaje al que hace referencia en sus trabajos Instagram .

"Bond", acuarela, papel y alfileres en caja antigua, 4 x 6 x 2 pulgadas

"Defensa", acuarela, papel y alfileres en caja antigua, 4,625 x 7 x 3,75 pulgadas

Izquierda: "Den" 2019, acuarela sobre capas de papel cortado a mano, sellado con encáustica, 6 x 6.5 x .5 pulgadas

“Nightlight 2”, acuarela, papel, hilo y alfileres en caja antigua, 6.25 x 4.875 x 3.25 pulgadas

“Observación” 2019, acuarela sobre capas de papel cortado a mano, sellado con encáustica, 6 x 6 x .5 pulgadas

"Defensa" en curso

Arte

Una colección monumental de figuras encorvadas considera los efectos del envejecimiento en el cuerpo

1 de febrero de 2021

Grace Ebert

Todas las imágenes son cortesía del Minneapolis Institute of Art

Nicole Havekost describe sus imponentes figuras como exhibiendo la contradicción de "s vergüenza absoluta ... Los cuerpos son mágicos, gloriosos, asquerosos y desconcertantes. Los cuerpos son civilizados y salvajes ”. A través de esculturas cosidas a mano, t el artista de Rochester explora las formas el envejecimiento afecta la figura de las personas y el proceso emocional de adaptación a una nueva realidad.

Cosa grandes obras antropomórficas de fieltro industrial, dando forma a cuerpos abultados y cubiertos de nudos y costuras desiguales que sirven como recordatorio de la restauración. Havekost explica :

Estas son las representaciones visibles de la fabricación y reparación, reparación y repintado, en las que nos involucramos como seres humanos a diario. Muestra dónde hemos estado y marca hacia dónde vamos. Mis figuras muestran sus reparaciones imperfectas exteriormente,a diferencia de la mayoría de nosotros que ponemos nuestras mejores caras públicas. A medida que he envejecido, me he convertido más en un socio de mi cuerpo. Tener un cuerpo y aceptar sus imperfecciones es un privilegio y eso es lo que sigo explorando en mi trabajo..

Junto con los diferentes puntos de sutura están los movimientos y gestos de las figuras: se apoyan contra la pared, se encorvan en el piso y estiran las extremidades rígidas, exponiendo sus "cuerpos vividos. Son suaves pero mantienen su forma y están enposa abierta a la crianza y el consuelo aunque ya han dado tanto. Son protectores que necesitan protección ”, dice la artista.

Aunque gran parte del trabajo de Havekost se centra en criaturas más pequeñas, esta colección es monumental en escala y una progresión natural de la piezas del tamaño de una muñeca ella hizo anteriormente. Las obras anodinas se ciernen dentro de la galería de 18 pies en el Instituto de Arte de Minneapolis , donde están actualmente a la vista hasta el 26 de junio de 2021. “La idea de que estas figuras realmente se adueñen del espacio, de que la audiencia tenga que adaptarse a su tamaño y presencia es lo que realmente impulsó el aumento de la escala y el volumen de las piezas.. Se lo debía a las figuras para que fueran tan grandes como debían ser ”, dice.

Explore el trabajo más amplio de Havekost su sitio y siga sus últimos proyectos en Instagram .

Arte

Prendas fragmentadas y partes del cuerpo que se alejan de las esculturas de acero de Regardt Van Der Meulen

28 de enero de 2021

Grace Ebert

“Sin título” 2018, acero dulce, 1900 x 1850 x 900 milímetros. Todas las imágenes © Regardt Van Der Meulen, compartidas con permiso

Regardt Van Der Meulen se preocupa por lo efímero de la vida humana, una fascinación que se manifiesta en sus amplias esculturas de acero. Fragmentadas y sobredimensionadas, las obras yuxtaponen el material inflexible con el movimiento inherente a las poses de las figuras y las formas de sus prendas.cuerpos está incompleto, ya sea a través de una extremidad dividida en dos o un torso abierto con espacio negativo.

Con sede en Johannesburgo, Van Der Meulen comparte que gran parte de su trabajo expone la vulnerabilidad del cuerpo y cómo cambios drásticos y minúsculos alteran su presentación. Las ramas, las piezas geométricas y la erosión interrumpen las figuras anodinas, sirviendo como metáfora de suinestabilidad mental y física, así como el estado precario del mundo natural y la civilización. El artista escribe :

Me fascina la mortalidad humana y los momentos fugaces que pasamos aquí. A menudo uno se olvida de lo frágiles que son la vida y nuestro medio ambiente. Creemos que somos parte de una relación binaria con la naturaleza cuando en realidad lo somos. Cambios repentinos en nuestro entornoo las experiencias pueden cambiar instantáneamente nuestra perspectiva sobre cómo vemos la vida y nuestro papel en ella.

Encuentre más esculturas fracturadas de Van Der Meulen en Instagram . Vía Revista Cross Connect

“Twigs” 2017, acero dulce, 2,300 x 1,600 x 1,200 milímetros

Detalle de “Twigs” 2017, acero dulce, 2,300 x 1,600 x 1,200 milímetros

Detalle de "Shadow", acero, 2,8 x 1 metro

"Sombra", acero, 2,8 x 1 metro

"Desenredar", acero, 2200 x 1600 x 600 milímetros

Detalle de “” Sin título ”2018, acero dulce, 1900 x 1850 x 900 milímetros

Detalle de “Deterioro” 2020, acero, 2.020 x 520 x 520 milímetros

“Desmaterialización” 2020, acero, 2050 milímetros