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Arte

Esculturas ensambladas por el artista Willie Cole agrupan tacones altos en máscaras expresivas

Artista Willie Cole yuxtapone calzado confeccionado y tradición africana en su serie de máscaras escultóricas . Los ensamblajes figurativos apilan los tacones de las mujeres en grupos que son expresivos y claramente únicos, un efecto que Cole deriva del material, el color y el patrón de los zapatos en lugar de un plan o boceto preconcebido. Representan sonrisas con dientes exageradas, cejas puntiagudas ylenguas, las esculturas abarcan más de una década de la carrera del artista e influyen en una nueva colaboración con Comme des Garçons que se compone de tocados hechos con bombas negras .

Cada pieza tiene capas de marcadores culturales y sociales, incluidos aquellos que comentan sobre el consumismo masivo, las tendencias de la moda y las nociones de feminidad. Este contexto se sitúa en el tiempo y el lugar, que Cole describe como "un catalizador sutil para la percepción. Tengodescubrió que los tacones altos comprados en Nueva York son muy diferentes a los tacones altos comprados en Georgia ", dice. Cole explica :

Supongo que se podría llamar al tacón alto tanto un objeto ansioso como una ayuda confeccionada. 'Ansioso' porque como símbolo, está completamente cargado de historia y una historia propia, incluso como un simple zapato. 'Ayuda confeccionada' porqueque la historia aporta tanto a tu interpretación y / o reacción a estas piezas. En cuanto a la moda, estas piezas hablan de la abundancia de tacones altos desechados en el mundo, así como de los diversos estilos y tendencias.

El artista con sede en Nueva Jersey está involucrado en una variedad de proyectos en este momento, incluido un encargo para el Aeropuerto Internacional de Kansas City que es un homenaje a Charlie Parker y una serie de esculturas hechas con 75 guitarras acústicas Yamaha que recaudarán dinero paraeducación musical. Su trabajo se encuentra actualmente a la vista en Alexander y Bonin en la ciudad de Nueva York y Galería de Beta Pictoris en Birmingham. Este verano, participará en un espectáculo en Hauser y Wirth y está involucrado en una instalación que celebra un antiguo vecindario negro que se abre en el Museo Metropolitano de Arte este otoño. Vea más de su extenso cuerpo de trabajo que explora en gran medida las identidades negras en su sitio y Instagram .

Arte

Universos LEGO elaboradamente construidos por el artista Ekow Nimako Imagina un mundo afrofuturista

Cientos de miles de elegantes y negros LEGO estructuran los universos utópicos de un artista con sede en Toronto Ekow Nimako . Desde esculturas figurativas de tamaño natural con un giro excéntrico hasta extensos paisajes que imitan densas metrópolis, las obras de arte de Nimako están arraigadas en el reino visionario de Afrofuturismo , que “explora la intersección de la tecnología y la raza para visualizar un futuro poderoso para la diáspora africana” a través de una buena dosis de esperanza y fuerza.

Su serie en curso edificio negro , es una colección amplia que abarca máscaras fantásticas inspiradas en la tradición de África occidental y personajes mitológicos que se inspiran en el folclore y los proverbios. Otra faceta incluye una escultura arquitectónica amplia que se expande 30 pies cuadrados. La obra de 2019 se titula “Kumbi Saleh3020 CE ”, una referencia a la ciudad capital de la antigüedad Imperio de Ghana se cree que contenía una mezquita, una plaza central y varias paredes de circuito.

Recorriendo cada una de estas obras de arte hay una comprensión fluida del tiempo y el espacio que difumina la distinción entre generaciones, lugares e historias para imaginar una nueva realidad. “Todos somos una prueba viviente de nuestros antepasados, toda su alegría, amor, conocimiento y dolor. Viven en nuestro ADN ", dice el artista ghanés-canadiense." Estéticamente, disfruto tomando elementos de épocas pasadas y creando paisajes futuristas, particularmente de utopías africanas para imaginar una existencia liberada para todos nosotros ".

Esa temporalidad borrosa que pone en primer plano sus esculturas e instalaciones también es paralela a su propia trayectoria. “Mi práctica artística se desarrolló cuando tenía cuatro años, ya que constantemente me decía a mí mismo que quería hacer esto jugar con LEGO para siempre, ya vecesse siente como si mi yo futuro se comunicara con mi yo pasado, quizás astralmente, para asegurar que este destino tan específico se manifestara ”, dice, señalando que los bloques de plástico han seguido siendo un elemento fijo en su vida personal y profesional desde que se convirtió en padre.

Hoy, Nimako trabaja únicamente con LEGO negro, una elección diseñada para distinguir su práctica de la marca icónica. "Mi distinción fue que quería hacer obras de arte para las que el medio era secundario", comparte. "La forma y el contenido,la encarnación de la vida, siempre es lo primero en mi trabajo ”.

En 2017, Nimako publicó una guía de animales LEGO Bestias de ladrillos y planea continuar enseñando con un tutorial para construir mundos afrofuturistas que se lanzará en su sitio este junio. Se incluirá en una exposición grupal en Galería en el sitio a partir de junio de 2022 y también tiene una exposición individual programada para octubre del próximo año en Galería Dunlop en Regina, Saskatchewan. Mientras tanto, explore una colección más grande de sus universos elaboradamente diseñados en Instagram . Vía hiperalérgico

Arte

Evocando el fuego y el aire, máscaras de papel intrincadas del artista Patrick Cabral en honor a la cultura filipina

Rodeado por coronas de papel de gran tamaño, dos nuevas máscaras por Patrick Cabral celebre la cultura filipina a través de obras elaboradas definidas por sus colores. Titulado Mananayaw ng Langit en Lupa , o bailarines del cielo y la tierra , la serie en curso fue encargada por el Museo de Arte Contemporáneo de Iloilo para Festival Dinagyang . La celebración cultural se lleva a cabo anualmente la última semana de enero con la competencia de la Tribu Ati, que involucra a bailarines guerreros actuando con cánticos fuertes y ritmos de tambores, como evento principal.

Preservando la tradición en el papel, las máscaras de Cabral imitan los disfraces de los artistas y se basan en los detalles y la complejidad de los suyos figuras de animales anteriores . "Lupa" tiene colores brillantes y encarna los espíritus apasionados de un dragón o cocodrilo, que representan la Tierra, el fuego y la luz. "Langit", por otro lado, es más tenue con rasgos de pájaro, plumas de pavo real yuna expresión tranquila. Simboliza el aire, el vuelo, los horizontes y los sueños. "Ambos animales son importantes porque las aves se utilizan en la navegación marítima antigua, por la que nuestros antepasados ​​son conocidos, y el cocodrilo es el animal más grande nativo de Filipinas ... Quierouno para parecer tranquilo y el otro caótico. Uno es una pluma. Uno es fuego ", dice el artista con sede en Manila.

Cabral actualmente está trabajando en una exhibición para el Pabellón de Filipinas en la Exposición Mundial que comparte el "coraje de nuestros antepasados, las personas que desafiaron el océano enfurecido desde Taiwán hasta las Islas Batanes". Siga ese proyecto y explore una colección más grande delas obras minuciosamente construidas del artista sobre Mejora y Instagram .

Fotografía

Un cortometraje hipnótico gira rítmicamente a través de 3.745 máscaras de todo el mundo

Espiral a través de caras pintadas antiguas, figuras de dibujos animados y el ahora omnipresente N95, el cortometraje “ Más allá de Noh ”por Patrick Smith anteriormente secuencia 3.745 máscaras en un ritmo fascinante.Las imágenes individuales abarcan múltiples culturas y períodos de tiempo y cambian de una a la siguiente con el ritmo de un tambor de mano.

Un entusiasta de las máscaras desde hace décadas, Smith fotografió tres cuartas partes de las obras de los archivos del museo, las galerías y su propia colección, y el segmento restante lo envió gente de todo el mundo. “Para mí, las máscaras son una forma interesante de verMe parece que todas las culturas en la historia del mundo han participado en alguna forma de fabricación de máscaras, ya sea por actuación, ritual, protesta o utilidad ”, le dice el director a Colossal, señalando que terminó la película solo unames antes del primer brote de COVID-19 en los Estados Unidos.

Este mes, "Beyond Noh" se proyectará en el Festival de Cine de Ann Arbor, el Festival de Animación de Stuttgart, el Festival de Cine de Florida y el Festival de Animación Mecal Barcelona. Vea un extracto editado en exclusiva para Colossal arriba y transmita la película completa en canal de YouTube de Smith con una suscripción paga. ¡Thnx, Marcin!

Arte Diseño Historia

Artistas exploran la autoexpresión a través de máscaras extrañas y caprichosas en la Galería Vicki Myhren de Denver

Quizás no hay símbolo más representativo de la vida contemporánea que la humilde mascarilla facial. Un simple dispositivo de salud crucial para salvar millones de vidas en todo el mundo de una pandemia mortal de COVID-19 propagada por patógenos invisibles transmitidos por el aire y, sin embargo, un objeto que ha sidopolitizado quijotescamente a expensas de la humanidad para beneficio de unos pocos de élite. Una nueva exposición en la Universidad de Denver Galería Vicki Myhren se acerca al lado más claro de los revestimientos faciales: la antigua tradición de las máscaras como autoexpresión.

Dispuestos en maniquíes que recubren el espacio de la galería, más de 40 artistas presentan interpretaciones del uso facial protector MASCARA , actualmente a la vista con cita previa hasta el 1 de diciembre de 2020. La colección de máscaras caprichosas, grotescas, extravagantes y hermosas no son médicamente funcionales, pero se garantiza que provocarán una reacción a través de su novedosa construcción. Varios diseños imitan sistemas de filtración natural como el follajeo un arrecife de coral, mientras que otros usan objetos reutilizados como cremalleras o tuberías para crear esculturas faciales completamente inusuales.

“A través de este proyecto, esperamos llamar la atención sobre la importancia y el significado del enmascaramiento como un tema de salud pública y demostración de responsabilidad cívica”, comparte la galería en un comunicado. “Como muestran los artistas seleccionados, el enmascaramiento también es unmodo de autoexpresión externa y oportunidad para la creatividad. A su vez, utilitarias y fantásticas, las obras de arte vestibles que se muestran demuestran cómo los creadores y pensadores se están involucrando con la pandemia y aplicando sus habilidades y estilos individuales a un medio recientemente importante ".

Como parte de la exposición, Vicki Myhren Gallery se ha asociado con Denver's Centro de Arte Contemporáneo RedLine para fabricar máscaras gratuitas para distribuirlas a los necesitados. Vía hiperalérgico

Arte

Las caras cromadas sobresalen de los fondos de graffiti y drippy en pinturas hiperrealistas del artista Kip Omolade

Colocado sobre un fondo con graffitis, las máscaras cromadas Kip Omolade anteriormenteLas pinturas parecen emerger del lienzo, sobresaliendo de la pantalla vibrante para confrontar al espectador.El artista nacido en Harlem pone capas de colores chorreantes y marcas tipográficas que contrastan con los rostros suaves y relucientes que sobresalen del centro de su nueva serie Máscaras: Retratos de Times Square y Grafiti de lujo , que completó a raíz de la pandemia COVID-19. En un comunicado, explica la historia de la colección :

En la ciudad de Nueva York durante los años 80, mi etiqueta era 'Kace' y me 'levantaba' en los interiores de los vagones del metro de MTA, las paredes públicas en Brooklyn y los libros negros de graffiti. Durante los años 90, nunca dejé de etiquetar.Incluso cuando pintaba de la vida, todavía etiquetaba aquí y allá en espacios aleatorios. Años más tarde, produje un 'Kace' de la vida real; cuando nacieron mis hijos gemelos, los llamé Kent y Kace. El 'Kace'las etiquetas en estas pinturas hacen referencia al 'bombardeo' del metro de Nueva York de los años 80, pero principalmente se trata de un legado. Quiero que mi trabajo represente nuestras experiencias compartidas del pasado, presente y futuro.

El proceso de Omolade incluye esculpir un molde de resina de un sujeto elegido, que luego cubre con cromo y usa como referencia para sus retratos hiperrealistas. Muchas de las máscaras son reflectantes, revelando un paisaje oculto. En el autorretrato de Omolade que se muestra a continuación, una bandera estadounidense en forma de diana marca su frente, un guiño a las injusticias raciales en los Estados Unidos.

Para ver más obras de Omolade, consulte su exposición individual virtual en Proyectos de Jonathan LeVine hasta el 4 de octubre y diríjase a la suya Instagram .