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Arte artesanía

Un trío de instalaciones monumentales de macramé se extienden 37 pies a lo largo de una estructura junto al mar en Bali

16 de febrero de 2021

Grace Ebert

“Montaña”, 1150 x 766 centímetros. Todas las imágenes © Agnes Hansella, compartidas con permiso

En solo 12 días, artista de fibra con sede en Yakarta Agnes Hansella creó un asombroso trío de instalaciones de macramé que cuelgan de un techo en Bali. Cada una de las obras anudadas se extiende por más de 37 pies de ancho, cubriendo la estructura al aire libre con fibras con flecos que evocan los alrededores costeros de Jimbaran. Titulado "Montaña,"Océano" y "Puesta de sol", los tapices de las paredes reflejan el entorno natural a través de parches asimétricos que recuerdan a los corales, las olas y los pájaros.

Junto con un equipo de artistas con los que no había trabajado anteriormente, Hansella cortó cuerdas de manila con una sierra para metales y se balanceó en un andamio para ensamblar las obras masivas. Los tres comenzaron con bocetos preliminares y evolucionaron en el sitio. “Nunca fui bueno conhacer dibujos, por lo que el diseño terminado es algo que se me ocurrió en el lugar. Los cambio mucho en función de mi instinto y situación. Con las técnicas de macramé, las cuerdas tienen su propia voluntad y carácter, así que como el artista las sigo y veoqué puede y qué no puede funcionar ”, le dice a Colossal. El trío fue encargado por Flowerbloom Studio.

Actualmente, Hansella está trabajando en una obra más pequeña para una villa en Bahréin y planea explorar la escultura de mechones y fibra en los próximos meses. Vende suministros de macramé, tapices de pared y objetos funcionales en su tienda y puedes seguir sus últimos proyectos en Instagram .

"Puesta de sol", 1150 x 500 centímetros

"Montaña", 1150 x 766 centímetros

"Puesta de sol", 1150 x 500 centímetros

"Océano", 1150 x 650 centímetros

Arte Diseño

Una instalación innovadora incorpora luces en un campo de cinco acres para estimular el crecimiento del cultivo

22 de enero de 2021

Grace Ebert

Repartidos en un espeso campo de puerros en los Países Bajos Daan Roosegaarde es la nueva instalación que ilumina la práctica de la agricultura moderna, destacando las plantas que nos alimentan y sus penurias. En “ crecer , ”el artista y diseñador holandés, conocido por exhibiciones interactivas brillantes , implantó las filas con luces rojas, azules y ultravioleta que brillan verticalmente a través del cultivo y cambian con un movimiento fascinante.

Con una superficie de 20.000 metros cuadrados, el proyecto multifacético es tanto estético como práctico: el paisaje radiante es visualmente impresionante, mientras que los elementos integrados mejoran el crecimiento de las plantas y reducen el uso de pesticidas a la mitad. Roosegaarde trabajó con tecnología fotobiológica existente y distintiva "recetas ligeras "que se cree que mejoran la resistencia de los cultivos y su metabolismo sin productos químicos añadidos." Le da un nuevo significado a la palabra 'agricultura' al replantear el paisaje como una obra de arte cultural viva ", dice el estudio en una declaración .

en una conversación con Dezeen , Roosegaarde señaló que un viaje a una granja local impulsó el proyecto, que el diseñador ahora espera que sirva como modelo para trabajos similares. Holanda es el segundo exportador agrícola más grande en el mundo, EE. UU. Es el primero, y es conocido por innovar en tecnologías más sostenibles. Con algunos cambios en la combinación de luces y ubicación, este proyecto singular podría tener implicaciones de gran alcance para la producción de cultivos en todo el mundo.

"Grow" tomó el estudio de Roosegaarde alrededor de dos años en completarse y es parte del programa de artistas en residencia de Rabobank. Está programado para recorrer 40 países en los próximos meses. Para obtener más del trabajo de Roosegaarde que se encuentra en la intersección del arte, el diseñoy ciencia, dirígete a Instagram .

Todas las imágenes © Daan Roosegaarde, compartidas con permiso

Arte

Una ola de mosaicos ondula a través de la nueva instalación de Olafur Eliasson en el centro de Chicago

19 de enero de 2021

Grace Ebert

“Pared de ondas atmosféricas” 2021, 30 x 60 pies. Todas las imágenes son cortesía de Proyectos CNL , compartido con permiso

semana pasada, artista Olafur Eliasson anteriormente reveló una obra de arte masiva en forma de ola que imita las superficies onduladas del río Chicago y el lago Michigan.Compuesto por 1.963 mosaicos curvos, el “muro de ondas atmosféricas” se encuentra entre los dos cuerpos de agua en Willis Tower y cambia de apariencia según la luz del sol, la época del año y la posición del espectador.Es el primer proyecto público del artista danés-islandés, que fue comisariado por Proyectos CNL y encargado por Oficina EQ , en Chicago.

Moteado con piezas naranjas, el motivo azul y verde está construido con acero con recubrimiento en polvo y se basa en mosaico Penrose , un diseño con simetría quíntuple, que llena el borde ondulado. Por la noche, una luz brilla a través de la obra del lado de la calle, emitiendo un resplandor a través de las juntas de los azulejos y alterando aún más la apariencia de la fachada texturizada. Eliasson dice sobre la obra:

Inspirado por el clima impredecible que presencié agitando la superficie del lago Michigan, la 'pared de ondas atmosféricas' parece cambiar según su posición y la hora del día y el año. Lo que vemos depende de nuestro punto de vista: comprensiónEste es un paso importante para darnos cuenta de que podemos cambiar la realidad.

Siga los últimos proyectos de Eliasson en el sitio de su estudio y Instagram .

Arte

Una habitación de luz pulsante de vidrio multicapa de Claudia Bueno se estrenará en Meow Wolf Las Vegas

8 de enero de 2021

Grace Ebert

Entrar Claudia Bueno instalación estilo acuario en Miau lobo nuevo espacio en Las Vegas y experimente los movimientos lentos y oscilantes de la vida natural. “ pulso ”se compone de innumerables dibujos de líneas blancas que están meticulosamente entrelazados y superpuestos en 60 paneles de vidrio. Cuando se iluminan, imitan decenas de espirales nautilus, corales, enredaderas y plantas botánicas que se balancean y palpitan en masas brillantes.

“Esto es lo que es 'Pulse', una forma de crear volúmenes animados usando capas de dibujos que se acumulan. He estado refinando esta técnica durante los últimos seis años, entendiendo cómo estas formas también pueden tener una cualidad en movimiento cuando la luzse aplica el sistema ”, dice el artista nacido en Venezuela, señalando que la idea del proyecto surgió de una visita al Parque Nacional Yellowstone.

Durante el transcurso de ocho meses, un equipo de mujeres pintó minuciosamente los paneles de vidrio en el estudio de Bueno en Idaho. “La calidad repetitiva / meditativa del trabajo se prestó para proporcionar un espacio de curación muy especial para nosotros mientras dibujábamos líneas finas durante horasy compartimos y apoyamos abiertamente ”, dice. No importa la escala del proyecto, Bueno comienza con un solo punto que ella duplica, se expande en líneas y, finalmente, en patrones intrincadamente desarrollados, que explica :

Parece que no importa el tamaño, los materiales y las herramientas con las que esté trabajando, los mismos tipos de patrones logran manifestarse una y otra vez, construyéndose unos sobre otros, ganando complejidad y simplicidad al mismo tiempo ...Ha sido un desafío cerebral interesante visualizar una pila de dibujos en 2D que luego se convierten en 3D y se mueven. Es mi propia versión de un lapso de tiempo o animación no digital, dibujado a mano.

Aunque gran parte del trabajo de la instalación está completo, Bueno comparte que está creando esculturas más pequeñas, joyas y otras obras para que coincidan con el proyecto más grande. "Pulse" se estrenará en el satírico envío de consumismo de Meow Wolf. Omega Mart , que el grupo de artes con sede en Santa Fe anteriormente pronto se abrirá dentro de Área 15 en Las Vegas. Hasta entonces, mire el video de arriba de Adolfo Bueno y encuentre más obras de Bueno basadas en la luz su sitio y Instagram . Video de Adolfo Bueno .

Arte

Una instalación congelada de Azuma Makoto conserva un arreglo floral vibrante en hielo

4 de enero de 2021

Grace Ebert

Todas las imágenes © Shiinoki / AMKK, compartidas con permiso

artista japonés Azuma Makoto anteriormente es conocido por cambiar los contextos en los que normalmente vemos flores — piense envolviendo ramos en bloques de hielo o suspendiéndolos en la estratosfera —a través de instalaciones y diseños que difuminan los límites entre el arte y la botánica. Aquí se muestra un proyecto de 2018 titulado “ Flores congeladas ”de Makoto en flor serie. La empresa llevó al artista a la península de Notsuke en Hokkaido, donde empapó flores abiertas y vegetación en el agua. Colocado contra el paisaje nevado y desolado, el arreglo resultante está congelado en su esplendor original, permitiendo que la vitalidad de las flores se asomea través de los carámbanos.

“El lugar donde se llevó a cabo esta instalación en Hokkaido también se llama el fin del mundo ya que los pinos marchitos generalmente se esparcen por ahí y ese lugar se congela en invierno”, dice el estudio de Makoto. “Fue la serie de cómo Azumaperseguido posibilidades desconocidas de las flores y cómo las flores se expresan bajo esta condición. "

Más imágenes y un video corto del proceso de Makoto están disponibles en su sitio , y puedes seguir sus últimos trabajos en Instagram . Vía El curador celoso

Arte Diseño

Un pabellón curvo diseñado por Kengo Kuma teje listones de madera en una estructura de mosaico

22 de diciembre de 2020

Grace Ebert

Todas las imágenes © Kengo Kuma y Geoff Nees, por Tom Ross

Envolviendo un espacio de galería en el Trienal 2020 NGV es un pabellón arqueado de madera teselada. Una colaboración entre el renombrado arquitecto japonés Kengo Kuma anteriormente y artista australiano Geoff Nees , la instalación a gran escala está construida con árboles talados en el Royal Botanic Gardens de Melbourne durante el sequía del milenio . Las lamas puntiagudas se enclavan sin el uso de soportes adicionales, diseño derivado de carpintería tradicional japonesa y cree un patrón escamoso que permita que la luz fluya.

Titulado "Pabellón Botánico", la estructura curva presenta madera recolectada, algunas de las cuales son anteriores a la colonización europea en el continente, ordenadas por color en lugar de especies. "Al priorizar los fenómenos naturales sobre el orden científico, los diseñadores cuestionan la naturaleza reductiva deciencia durante la era colonial, una mentalidad en desacuerdo con muchas creencias culturales y sistemas de conocimiento indígenas ” una declaración sobre la pieza dice. En ambos extremos, la pasarela se abre para revelar la pintura de 2017 del artista surcoreano Lee Ufan titulada "Diálogo".

“La forma semicircular del pabellón invita al visitante a un viaje para explorar el espacio y experimentar las diversas esencias de la madera”, dijo Kuma Dezeen . “La estructura porosa se ensambla como un rompecabezas tridimensional sin el uso de conexiones metálicas para poder volver a ensamblarla en una ubicación diferente”.

el "Pabellón Botánico" está a la vista hasta el 18 de abril de 2021. Siga de Kuma y de Nees próximos proyectos en Instagram.